Metallica – Beyond Magnetic

Artista: Metallica

Álbum: Beyond Magnetic (EP)

Estilo: Heavy Metal, Thrash Metal

Sello: Warner Bros. Records

Fecha de publicación: 12 de diciembre de 2011

Nota: 7,8/10

2011 era una fecha señalada para METALLICA debido a que se cumplían 30 años desde su fundación; pero cuando todos esperábamos ansiosos algún evento lleno de sorpresas, la publicación de “Lulu” junto al considerablemente desconocido Lou Reed ha sido el auténtico bombazo. Dicho trabajo, muy lejos del estilo propio de los de San Francisco, ha sido una decepción general y ha provocado críticas hasta de sus más fervientes seguidores. Quién sabe si para maquillar esto o simplemente para celebrar dicho aniversario, la banda ha publicado “Beyond Magnetic”, un EP con cuatro canciones que aunque fueron grabadas junto a las otras diez que a la postre formaron “Death Magnetic”, se quedaron fuera de este, pero no han querido dejar en el olvido y han rescatado para la ocasión. Cabe mencionar que estos cuatro temas no están mezclados definitivamente y por ello no alcanzan el sonido de los temas publicados en 2008.

Todo comienza con “Hate Train”, que tras una breve introducción de batería y guitarras conjuntas pasa a un riff que recuerda mucho a “Fuel”, con el cual Kirk Hammett realiza un solo muy falto de originalidad. Con la enérgica entrada vocal de Hetfield también se nos presenta un nuevo riff de fuerte groove que se alterna con el riff precedente. En estos primeros momentos podemos apreciar a un Hetfield que aun sin conservar su voz rasgada de antaño, emplea un registro muy alto, incluso en el melódico estribillo, el cual, sorprendentemente, es la parte más pausada del tema. Después de un extenso apartado solista que cojea nuevamente, pasan a un vasto breakdown que sirve como puente hacia el final del tema donde se repiten anteriores fragmentos, además del estribillo, repetido varias veces pero con más intensidad en esta ocasión.

“Just A Bullet Away” comienza de una forma muy parecida, con redobles de batería conjuntados con las guitarras para seguidamente pasar a un medio tempo muy propio del “Black Album” que sostiene la canción al completo. Con unas variaciones mínimas en el riff, llegamos hasta el cuarto minuto de canción, donde paran en seco y comienza una parte de guitarras limpias que va progresando y aumentando en intensidad hasta volver de nuevo al riff principal con el cual se repite una vez más la estructura de voz - puente - estribillo anterior que da cierre al tema.

Unas guitarras limpias y un fraseo muy melódico a distorsión junto a un riff bastante rítmico preceden la entrada de voces, nuevamente con guitarras limpias, en “Hell And Back”. Sin duda la canción más melódica del EP, toda la progresión hasta el estribillo, el cual es el punto álgido del corte, tiene un toque muy melancólico. Después de repetir de manera idéntica la estructura anterior, Lars Ulrich se encarga de cambiar las directrices y conduce la canción a un conjunto de riffs que preceden un acertado apartado solista que brilla por momentos. El grandioso estribillo junto a nuevos licks de guitarra, es el encargado de cerrar esta canción llena de sentimiento.

Las guitarras limpias son, nuevamente, las encargadas de abrir “Rebel Of Babylon”; guitarras que no duran mucho debido al repentino cambio a la distorsión y consecutivamente a la mayor intensidad. Las primeras estrofas vocales son idénticas a las cantadas melosamente al principio, con la diferencia de que en esta segunda vez la acompañan unos riffs mucho más veloces y agresivos. La melódica estrofa de “Let this dark shine” es la excepción en esta canción cargada de dinamismo y riffs imponentes. Kirk Hammett demuestra una vez más que no pasa por su mejor momento con unos solos que contienen detalles interesantes pero que decaen a las primeras de cambio. La clásica repetición de estructuras pone punto y final al EP.

Lo que uno saca más en claro con esta publicación es que los ochenta pasaron hace tiempo, y que METALLICA no va a volver a hacer nada parecido a entonces. Los músicos evolucionan, y lo mismo ocurre con su visión creativa. El “Death Magnetic” supuso la vuelta de la banda a un sonido más metalero, pero no la vuelta a sus raíces como tantos han afirmado. La diferencia musical entre entonces y ahora es más que evidente. Pero independientemente de lo que la banda haya hecho en el pasado, cabe destacar que las cuatro canciones que forman este “Beyond Magnetic” son música digna, fresca a la primera escucha y diferente, claro está, pero no por eso sistemáticamente inferiores. Si mejoran los aspectos que flojearon en “Death Magnetic” y que de la misma manera han flojeado en este EP, y siempre que seamos abiertos y tolerantes musicalmente, podemos esperar el nuevo disco que publicarán en 2012 con la esperanza de deleitarnos una vez más con buena música.

Componentes:

James Hetfield – Guitarras y voces

Lars Ulrich – Batería

Kirk Hammett - Guitarras

Robert Trujillo - Bajo

Tracklist:

01. Hate Train

02. Just A Bullet Away

03. Hell And Back

04. Rebel Of Babylon

Web oficial: http://www.metallica.com/

Autor: Mikel Yarza

Crisix - The Menace

Artista: Crisix

Álbum: The Menace

Estilo: Thrash Metal

Sello: Kaiowas Records

Fecha de publicación: 26 de septiembre de 2011

Nota: 8/10

Fundados en 2008 en Barcelona bajo el nombre de Crysis, este quinteto thrasher ha tenido una progresión meteórica desde su origen. Solamente con un año de vida la banda ya había grabado su primera demo y se presentó a la Batalla de Bandas de W.O.A. llegando hasta la final y proclamándose ganadores de la misma. Esto quería decir que gozarían a la vez de grabar su primer disco con el sello Wacken Records, aunque los planes se vieron truncados cuando más tarde desde el sello mismo se les informó de que no podrían hacerse cargo del álbum, hecho que frustró su publicación y ha desembocado en varios retrasos hasta este final de 2011. Con la publicación del CD, la banda se vio obligada además a modificar su nombre a CRISIX, debido a problemas legales con el videojuego Crysis. Aun así, parece que la tardanza ha merecido la pena, ya que “The Menace” se nos presenta como una auténtica bomba de relojería de principio a fin.

El disco comienza con una intro en progresión que da paso al primer tema, “Ultra Thrash”, el cual no deja títere con cabeza. Thrash de la vieja escuela con riffs desenfrenados y voces rasgadas, el primer riff de la canción, por encima del resto, es para quitarse el sombrero. Le sigue “Internal Pollution”, la cual recuerda mucho a EXODUS. El vocalista especialmente adquiere en todo el disco una tonalidad parecida a la de Bobby Blitz de OVERKILL mezclada con el desparpajo del histórico Paul Baloff.

“Fresh-Collector Machine” es un corte más pausado, en ese clásico medio tempo que todo grupo de thrash suele emplear. Ideal para hacer headbanging, a mediados de la canción pisan el acelerador y dan rienda suelta a la locura una vez más. Corte de mayor duración del disco junto a “Mummified By Society”, apenas repiten estructuras y combinan adecuadamente melodías con partes rápidas como más pesadas.

“Holy Punishment” también sigue en la línea de hasta ahora, con estructuras extensas pero simples, destaca la melodía por parte de las guitarras tanto en el puente al estribillo como en este último, con la cual la canción adquiere unos matices muy interesantes al conjugar lo salvaje con lo melódico. El breakdown es otro de los momentos destacados del tema; hay pocos en todo el disco, pero como el de esta canción, los que hay merecen la pena.

A veces parece que no hace falta más que abrir la boca para que te la callen. Y es que si hace nada decía que buscan diversas salidas y progresiones en sus temas, justamente los dos siguientes cortes, “Dead By The Fistful Of Violence” y “Spawn” se limitan a unos esquemas de lo más simplistas. Esto sin embargo, no quita valor a las canciones ya que ambas resultan frescas ya a la primera escucha.

La perfecta ejecución y sutileza de arreglos en todo el disco es impresionante para una banda que está presentando su primer trabajo de estudio y que lleva tan solo tres años encima de los escenarios.

En las canciones finales parece que el disco llega a su momento más bromista o cómico, primero con la sorprendente “Brutal Gadget” y después con la inicialmente rockera “The Last Monkey”. Pero aunque las canciones comience de una manera u otra, o tengan partes que nos dejen un poco descolocados como en estas dos últimas, a las pocas escuchas no cabe más que rendirse a la capacidad ejecutiva de estos chavales. Mención aparte merece “Electric Possession”, totalmente demoledor, uno de los mejores del disco si no es el mejor.

El único pero que se les puede poner es quizás la falta de originalidad, al estar calcando prácticamente lo que otros crearon hace treinta años. Está por ver todavía el camino que seguirá el grupo en el futuro, por lo que por ahora lo único (ni que fuera poco) que nos queda es disfrutar de sus explosivos shows de directo y aplaudir el excelente trabajo de una banda que en tan poco tiempo ha conseguido lo que otros no consiguen en toda su vida!

Componentes:

Julián Baz – Voces

Marc Busqué - Guitarras

Albert Requena – Guitarras

Marc Torras - Bajo

Javi Carrión – Batería

Tracklist:

01. A.S.F.H.

02. Ultra Thrash

03. Internal Pollution

04. Flesh-Collector Machine

05. Holy Punishment

06. Dead By The Fistful Of Violence

07. Spawn

08. Brutal Gadget

09. The Last Monkey

10. Unleash the Beast

11. Mummified By Society

12. Electric Possession

Web oficial: http://www.crisixband.com/

Autor: Mikel Yarza

Exmortus – Beyond the Fall of Time

Artista: Exmortus

Álbum: Beyond the Fall Of Time

Estilo: Thrash/Death Metal, Heavy Metal

Sello: Heavy Artillery Records

Fecha de publicación: 4 de octubre de 2011

Nota: 7/10

EXMORTUS, banda californiana de thrash metal, nació en 2003 y en los tres años siguientes, comenzaron a dar conciertos locales a la vez que trabajaban en demos caseros. Su primer EP, “Reign Of The War Dogs”, vio la luz en 2006; recogía varias canciones de sus anteriores demos además de material nuevo. Aun así, su debut discográfico no llegó hasta dos años después, en 2008. Con “In Hatred's Flame” la banda presentaba su música al mundo. Una propuesta de thrash metal con evidentes pinceladas de death metal; mucha agresividad y brutalidad. El disco les sirvió para girar a lo largo y ancho de Estados Unidos y 3 años después, han vuelto con su nuevo trabajo de estudio, “Beyond the Fall of Time”, que ya les ha servido para participar en el Mayhem Festival invernal junto a VEKTOR, pero con el que, definitivamente, pretenden dar el gran paso y expandirse alrededor del globo, y es que ya llevan ocho años como banda, por lo que si no lo hacen ahora, no lo harán nunca. Por último, cabe destacar el importante cambio de formación que ha sufrido la banda, ya que el hasta ahora cantante y guitarra rítmico, Balmore Lemus, ya no forma parte del grupo y ahora Conan Gonzalez, hasta ahora guitarra solista, se encarga también del apartado vocal, lo que ha influido notoriamente en el producto final. Con el nuevo CD, la banda presenta además al nuevo guitarrista Sean Redline.

Después de una breve intro, “Kneel Before the Steel” abre el disco con fuerza. Desde el primer momento son notorias las nuevas facetas vocales desarrolladas por Conan, el cual nos sorprende con agudos en repetidas ocasiones, pero de la misma manera demuestra su buen hacer a las voces más graves y rasgadas. Nada que envidiar a Balmore. Aun siendo uno de los temas más largos del álbum debido a la parte intermedia con casi tres minutos de solos, probablemente sea también el mejor corte del disco.

“Destroy” y “Left to Die in the Paradox of Time”, ambas de amplia extensión, representan la máxima rapidez del disco. Canciones que parten de ese clásico thrash metal pero a los que a la postre imprimen mucha diversidad con harmonías que recuerdan al death metal melódico. La mezcla de esto con guitarras acústicas y tempos poco comunes hace que la música del cuarteto sea difícil de calificar.

“Entombed with the Pharaohs” destaca por su oscura ambientación, muy cercano al death metal clásico. El trabajo de Mario Moreno a las baquetas en este tema es vital; muy acertado en todo momento, conduce y sostiene magistralmente el tema a lo largo de sus seis minutos. Por otro lado, “Crawling Chaos” o “The Gathering” aportan el toque más pesado y lento, pero a la vez melódico. Las guitarras dobladas ganan protagonismo en ambos temas, atreviéndose incluso con solos neoclásicos, muy lejos del thrash al que la banda supone pertenecer.

Mención aparte merece “Khronos”, sin duda la canción más épica del disco, simple pero muy emotiva, la voz consigue parecer la mejor posible para el tema y la música nos transporta a las mismas historias mitológicas griegas, además de cobrar especial fuerza dentro del significado global del disco este tema, al ser Khronos en la mitología griega la personificación del tiempo. No es una casualidad que el disco comience y concluya con el sonido del tick-tack de un reloj.

“Beyond the Fall of Time” está constituido por grandes riffs, harmonías y ritmos, tanto frenéticos como pesados, pero adolece de buenas estructuras; lo que provoca que al que escucha le cueste asimilar las canciones. Quizás hubieran sido acertados algún par de temas en la línea de “Kneel Before the Steel”, sin tener que hacer estribillos totalmente pegadizos, pero sí con esas frases machaconas que se nos quedan clavadas en la mente en apenas un par de escuchas. Por otro lado, la mezcla de tantos estilos tan diversos, llegando a juntar el heavy clásico, el thrash el death o incluso elementos ajenos al metal, hacen el disco muy original pero a la vez falto de identidad. Habrá que ver como se las arreglan en el futuro para plasmar esa originalidad que han conseguido absorbiendo influencias de diversos estilos al mezclar todo de manera homogénea y encaminarse hacia su propio sonido e identidad.

Componentes:

Conan Gonzalez - Guitarras y voces

Sean Redline - Guitarras

Daniel Duarte - Bajo

Mario Moreno – Batería

Tracklist:

01. Bane Forthcoming

02. Kneel Before the Steel

03. Black XIII

04. Beyond the Nile...

05. Entombed with the Pharaohs

06. Destroy

07. Crawling Chaos

08. Left to Die in the Paradox of Time

09. Khronos (Forever in the Void)

10. The Gathering

Web oficial: http://www.exmortus.com/

Autor: Mikel Yarza

Megadeth - TH1RT3EN

Artista: Megadeth

Álbum: TH1RT3EN

Estilo: Heavy Metal, Hard Rock, Thrash Metal

Sello: Roadrunner Records

Fecha de publicación: 1 de noviembre de 2011

Nota: 4/10

Los últimos años han debido de ser toda una gozada para una banda con una presión mediática tan grande como MEGADETH. Desde su vuelta al thrash en 2007 con “United Abominations” y su reafirmación con “Endgame”, no han parado de lloverles halagos y críticas positivas, tanto por parte de sus fans como de los medios. Si a esto le añadimos el “Big Four”, histórica gira que juntó el año pasado por primera vez a los cuatro titanes del thrash metal norteamericano, parecía que las cosas no podían ir mejor para Mustaine y compañía. “Th1rt3en” marca también el retorno a la banda del bajista fundador y mano derecha de Mustaine, David Ellefson, siendo este el primer trabajo de estudio en el que participa desde “The World Needs A Hero”, publicado justamente hace una década. Además de todo esto, cabe resaltar el peso añadido de Johnny K en este trabajo, en el cual además de trabajar en la producción, tiene créditos en las letras de seis de las trece canciones.

Y es que hacerse grandes expectativas puede resultar a veces un gran error, ya que cuando todo parecía indicar que “Th1rt3en” iba a ser una continuación en la senda del thrash tradicional, nos han sorprendido con un trabajo que de thrash tiene más bien poco o nada.

Cabe mencionar que gran parte del material de este disco ya había sido escuchado antes de la publicación oficial del álbum, lo que le ha restado cierto grado de exclusividad. Canciones como “New World Order” o “Millenium Of The Blind” se quedaron fuera de los discos que publicaron a principios de los noventa aunque pudimos escucharlos en demos y regrabaciones posteriores aunque con otros títulos, y ahora han decidido rescatarlos para hacerles justicia. Los nombres de Marty Friedman y Nick Menza están presentes en los créditos de ambos cortes. Por otro lado, “Public Enemy No. 1” y “Never Dead” fueron publicados como adelanto del disco, y “Sudden Death” ya lleva sonando más de un año en el videojuego “Guitar Hero: Warrios Of Rock”.

Este último es el encargado de abrir el disco. Con un comienzo muy atmosférico a las guitarras que van respaldadas por el redoble de timbales de Shawn Drover y que después de un minuto cambian de dinámica hacia un riff de gran groove en el cual se basa el resto de la canción. El melódico estribillo es la parte que más se diferencia del conjunto, el cual es puro MEGADETH. Para quitarse el sombrero la parte de la mitad de la canción hacia adelante, donde ambos guitarristas se turnan a los solos.

Pero de “Public Enemy No. 1” en adelante, el disco adquiere un matiz completamente diferente. Lo agresivo y oscuro se esfuma y predomina un estilo muy cercano al hard rock, que no lo podemos definir como tal solamente por la característica voz de Mustaine y el sonido de todo el conjunto. El tema tiene un tirón comercial innegable, y los rápidos solos o algunos riffs que surgen de la nada parecen ser amagos, detalles que pretender camuflar y vendernos a la vez un estilo metalero comercializado.

“Whose Life (Is It Anyways?)” sigue en la misma línea. Podría haber sido perfectamente una canción que formara parte de su tan criticado “Risk” de 1999. Los estribillos son sin duda la gota que colma el vaso en este disco. Son el momento en que uno se levanta de su silla y se pregunta: ¿Pero que coño?.

“We The People” es una canción de puro hard rock. 100%. Un estribillo extremadamente pegadizo y una parte intermedia igual de melódica que precede a un breve solo de Broderick son las partes a destacar en una canción que hubiera sido todo un éxito si de un grupo hard rock (o incluso de pop, adoptando la manera en la que una canción de pop se supone que debería de sonar, claro está) se tratara.

“Guns, Drugs & Money” es ya la quinta canción del plástico, y no queda otro remedio que aceptar y afrontar que la cosa no va a cambiar. Igual de bailable que sus predecesores, nos encontramos ante un tema muy simplón en su estructura, y que ya nos va transmitiendo las primeras sensaciones de repetitividad y aburrimiento.

Y cuando todo parecía derrumbarse, como por arte de magia, “Never Dead” comineza a sonar por los altavoces. Aunque ya había sido publicada con anterioridad, su escucha llena a uno de alegría... hasta cierto punto. El estribilo sigue en la onda de lo que viene siendo todo el disco, aunque esta vez pasa desapercibido debido a la presencia de riffs más rápidos y entretenidos. Pero “New World Order” nos hace volver a la realidad. La entrada de las voces se nos presenta junto a un apartado rítmico que aun siendo original resulta molesto, desconcertante, aunque otra sorpresa aguarda hacia el final del tema, cuando rompen con la predecible estructura que marca prácticamente todo el álbum para regalarnos un riff que al instante nos transporta a discos que marcaron escuela como “Peace Sells... But Who's Buying” o “Rust In Peace”.

“Fast Line” es una de las excepciones del disco. En algún lugar intermedio entre la harmonía que crea la línea vocal y los riffs de guitarra más potentes, la canción salva su pellejo. Momento inédito del disco al final de la canción cuando su intensidad crece y Mustaine grita la última repetición del estribillo, dejándonos con un buen sabor de boca.

“Black Swan” y “Wrecker” son dos canciones que pasarán al olvido en poco tiempo y probablemente no serán interpretadas nunca en directo. Y como estos dos, muchas de las canciones del disco. Totalmente de relleno, siguen en la línea de lo escuchado hasta el momento y no aportan absolutamente nada al álbum en conjunto.

“Millenium Of The Blind” es junto a “Sudden Death” la mejor canción del disco. Una vez más, volvemos a los inicios de los noventa; y aunque quizás carezca de ese toque agresivo y salvaje de los MEGADETH de aquella época, la canción es indudablemente uno de los momentos señalados del CD. Por otra parte y aunque no tienen ningún parecido como canciones en sí, al igual que “Fast Line”, “Deadly Nightshade” consigue ese efecto de frescura de la que carece el álbum.

Cierra el disco la emotiva “13”. El corte más suave de todo el trabajo, pero que con una gran naturalidad impone su calidad a los estereotipos de siempre de si bandas como MEGADETH deberían hacer canciones de este estilo. Viendo lo que es el resto del disco, esta canción cobra incluso más mérito, sonando original y lograda.

Siempre que se dan cambios de estilo de esta magnitud nos encontramos ante el mismo debate de qué camino debería de seguir la banda, de que MEGADETH es thrash metal y por tanto cosas así son una traición tanto a los fans como a la banda misma frente a otros que apoyan que los grupos se reinventen y prueben suerte en nuevos horizontes musicales. La única verdad que se puede decir aquí, es que para bien o para mal, los que deciden qué dirección dar al sonido de la banda son sus propios componentes y que por mucha crítica y división que cause su nuevo trabajo, van a seguir haciendo lo que ellos quieran, y más en un caso como el de Mustaine, el cual debido a su esfuerzo hasta el día de hoy, tiene la vida resuelta y, si quisiera, podría renunciar en este mismo instante a la banda y retirarse tan tranquilo.

Al margen de todo esto; hard rock, heavy metal, thrash metal... Sea el estilo que sea, este disco no hará historia en ninguno de ellos. No lo hará ni en la propia banda. “Th1rt3en” está a años luz de la capacidad compositiva de MEGADETH, con apenas canciones que tengan pintas de funcionar en los directos, muy lejos de “United Abominations” o “Endgame”. Esperemos que haya sido un lapsus y que tras unos años vuelvan de nuevo con lo que mejor saben hacer.

(Nota: Puede que al igual que el disco, la reseña también cause controversía y división, pero lo expuesto en el artículo es mi más sincera opinión, tan respetable como el de cualquier otro. Espero que todos lo tomen con respeto y se puedan contrastar diversas opiniones).

Componentes:

Dave Mustaine - Guitarras y voz principal

Chris Broderick- Guitarras y voces

David Ellefson - Bajo y voces

Shawn Drover – Batería y voces

Tracklist:

01. Sudden Death

02. Public Enemy No. 1

03. Whose Life (Is It Anyways?)

04. We The People

05. Guns, Drugs & Money

06. Never Dead

07. New World Order

08. Fast Line

09. Black Swan

10. Wrecker

11. Millenium Of The Blind

12. Deadly Nightshade

13. 13

Web oficial: http://www.megadeth.com/home.php

Autor: Mikel Yarza

Su Ta Gar – Ametsak Pilatzen

Artista: Su Ta Gar

Álbum: Ametsak Pilatzen

Estilo: Heavy Metal

Sello: Jo Ta Ke Ekoizpenak

Fecha de publicación: 19 de noviembre 2011

Nota: 8/10

¿Qué podemos decir de SU TA GAR ha estas alturas? Banda pionera en la creación del metal en euskara y que a día de hoy sigue influyendo hondamente a las nuevas hornadas, también es sin duda alguna uno de los mejores grupos a nivel nacional. Y aunque también se debe aceptar su limitación expansiva debido a que sus canciones son en euskara, no podemos olvidar que han girado por el extranjero en repetidas ocasiones. Esta vez, y aunque la espera se haya hecho larga, los de Eibar están de vuelta con su noveno trabajo de estudio, “Ametsak Pilatzen”.

Abre el disco la breve instrumental “Hegan”, con unas guitarras limpias que dan paso a “Piztia”, una canción de thrash metal, siempre con ese toque propio que imprime la banda a sus canciones, pero que resulta totalmente sorprendente, ya que en sus casi 25 años de trayectoría, no hemos podido escuchar ni un solo corte de este calibre. Los riffs fluyen fácilmente, al igual que los solos y las agresivas voces de Aitor Gorosabel. Toda una bomba como pistoletazo de salida.

Le sigue “Etsaien Hitzak”, que arranca también con un riff agresivo pero que se torna a la postre en una canción más melódica respaldada por una sección rítmica muy conjunta de batería y guitarras. La melodía inicial de los solos hace que por momentos pensemos que estamos escuchando a los HELLOWEEN de los buenos tiempos.

La siguiente en sonar es “Poza Eta Tristura”, que desde la entrada de las voces se convierte en una de esas canciones que se te queda a las pocas escuchas. En la primera vuelta amagan el estribillo, pero después de repetir la misma estructura por segunda vez, lo enlazan junto a un apartado de solos épicos. Uno de los mejores cortes del disco.

Una batería pausada da paso a “Beti Tente Eta Tinko” corte que empieza con poca intensidad pero que va subiendo hasta el estribillo. Una parte intermedia con variaciones vocales es la única novedad en una canción que repite hasta la saciedad tanto el estribillo como su estructura en general. Probablemente sea la más prescindible del disco.

“Norbera Bere Ametsen Jabe” fue publicada como adelanto casi un mes antes de la publicación del disco. Una melodía de guitarra que en sí se mantiene constante pero parece ir progresando debido a los cambios del resto de instrumentos, da paso a las voces y al estribillo, ambos entrando muy frescos al oído ya en la primera escucha. Después de la segunda repetición cambian hacia una parte más pausada, en la cual la harmonía vocal de Gorosabel juega sobre la conjunta base rítmica de bajo y batería, acompañado al principio de una guitarra acústica y pasando a la distorsión después. El estribillo, que es indudablemente el punto fuerte de la canción, se repite varías veces antes de concluir con la melodía que da comienzo al tema.

Con un potente riff a medio tiempo comienza “Materia Hutsa Naiz”, que persiste muy melódica desde el momento en que entran las voces. El pre-estribillo con las guitarras acústicas es uno de los momentos más emotivos del disco. Al igual que en “Beti Tente Eta Tinko”, se repiten estribillo y estructura con ahínco.

“Kantarik Politena” comienza con un riff muy rítmico que recuerda a PANTERA, aunque el empleo de voces melódicas nos desvía de esta comparación a lo que es un corte muy harmonioso en las voces, pero también en las guitarras, tanto en el estribillo como en los solos.

Vamos acercándonos hacia el final y “Bizi”, que comienza con una melodía a dos guitarras, se convierte después en una de las canciones más énergicas del plástico. No obstante, en el estribillo se repite la melodía del principio y adquiere unas propiedades más melódicas, lo que se reafirma más tarde con la parte intermedia de voces y la repetición del estribillo.

“Zain, Zure Zain” es la balada del disco. Respaldado por guitarras limpias y acústicas, ta ternura y el sentimentalismo cobran gran fuerza tanto en la música como en la letra. Los solos, sin destacar excesivamente, son justo lo que la canción pide. Tema para cantar en concierto y que aunque a las primeras escuchas quizás no convenca, mejora y puede calar hondo con el tiempo. Cierra el disco, finalmente, la canción que le da título al mismo, que con su memorable estribillo, tiene todas las papeletas para convertirse en uno de los nuevos himnos del grupo.

El sonido ha dado una nueva vuelta de tuerca en este disco, dejando de la lado la garra y agresividad de “Jainko Hilen Uhartean”, y quizás también falte esa inspiración única y quien sabe si irrepetible que tuvieron en sus comienzos, pero aun así, “Ametsak Pilatzen” es toda una demostración del buen hacer de SU TA GAR, un extenso recital de canciones con gancho y muy bien compuestas, todo un triunfo.

Componentes:

Aitor Gorosabel – Guitarras, bajo y voces.

Xabi Bastida - Guitarras

Galder Arrilaga - Batería

Tracklist:

01. Hegan

02. Piztia

03. Etsaien Hitzak

04. Poza Eta Tristura

05. Beti Tente Eta Timko

06. Norbera Bere Ametsen Jabe

07. Materia Hutsa Naiz

08. Kantarik Politena

09. Bizi

10. Zain, Zure Zain

11. Ametsak Pilatzen

Web oficial: http://www.sutagar.com/

Autor: Mikel Yarza

Su Ta Gar, 22 de octubre de 2011 - Bonberenea – Tolosa

Bonberenea, la mítica sala de Tolosa por donde han pasado la inmensa mayoría de las bandas destacadas de rock/metal de Euskal Herria, acogía el pasado sábado, 22 de octubre, el concierto de presentación de “Ametsak Pilatzen”; el nuevo disco de los fundadores del metal en euskera, SU TA GAR. Con este ya van nueve, y los eibartarras, que poseen una indiscutible capacidad de convocatoria, llenaron el local hasta la bandera. Si a esto le añadimos que la banda presentaba también por primera vez en Gipuzkoa a su nuevo bajista, Igor Diez, nos encontrábamos ante una cita obligada. A pesar de llegar al recinto con la mirada fija en el reloj, el concierto no comenzó hasta las 23:30, una hora más tarde de lo previsto.

Abrieron fuego con la intensa “Etsi Gabe” seguida por “David eta Goliath”, dos auténticos bombazos para dar comienzo al espectáculo y con los que metieron al público de lleno en la dinámica del concierto. Sin apenas respiro, atacó “Ametsa Ote”, que aun siendo de su anterior disco, ya parece ser un clásico a la altura de los cortes reservados para más tarde.

“Poza eta Tristura” fue la primera canción que pudimos escuchar del nuevo disco. Aunque de comienzo demoledor y estribillo pegadizo, la gran mayoría no pudo gozar de igual manera debido a que la canción era desconocida. Para enmendar esto, volvieron a los discos más viejos para rescatar dos trallazos que como en el CD mismo, sonaron de la mano: “Azkar Zuregana” y “Nazka” sirvieron para que Igor demostrara su valía y recibiera su primera ovación.

De nuevo material novedoso, esta vez además se atrevieron con una balada; “Zain Zure Zain” fue de todo menos un acierto. Si el momento de las baladas suele ser para que el público las cante al unísono, el ser novedad no cuajó bien y bajo el pistón. Además, le siguió “Kantarik Politena”, otra exclusiva que aun siendo más enérgica, dejó una sensación de confusión en el público.

Pero con el comienzo de “Begira”, banda y público se sintieron nuevamente como pez en el agua. La canción que abre su clásico “Jaiotze Basatia” hizo las delicias del personal y si a esto le añadimos la seguida con “Gau Iluna Amaitu Da” y “Jainko Hilen Uhartean”, todos los allí presentes no cabían en sí de furor y alegría.

“Piztia” fue otro de los cortes nuevos. Esta vez la banda acertó y la canción sonó magnífica, igual que “Norbera Bere Ametsen Jabe”, el cual había sido publicado como adelanto del disco con anterioridad y fue recibida con un gran entusiasmo por todos. Ovacionada y coreada, mención especial a su triunfal estribillo.

El cuarteto se había metido al público en el bolsillo hace tiempo y todo lo que vino de aquí en adelante fue la total culminación de una noche de recuerdo.

“Itxaropena” fue cantada por todos, pero “Jo Ta Ke” no podía ser menos; sin duda era la canción más esperada por la gran mayoría. Empalmaron con la endiablada “Rotaflexa Garraxika”, donde cabe resaltar a Galder, soberbio a las baquetas durante todo el concierto; y con la aplastante “Agur Jauna” para despedirse con otro clásico donde los haya: “Mari”.

Pero de allí no se movía nadie. Todos sabían que la banda volvería al menos una vez y el grito de bis fue unánime. Volvieron, y de que manera. Retomaron el escenario con la canción que da nombre a su flamante disco, con un estribillo muy pegadizo. Aunque la gente no la conociera, fue el momento propicio de presentarla en tan buen ambiente. Sonaron además “Arbasoen Mendekua” y la apoteósica “Zure Atzetik”, canción perfecta para cerrar el concierto.

Tras repartir púas y agradecer al público su apoyo durante el concierto, abandonaron el tablado nuevamente, aunque tras la insistencia del público salieron a tocar una última que fue “Geroaren Hazi Heziak”, la cual puso el broche de oro a un espléndido concierto. La banda sonó perfecta durante las casi dos horas de actuación, con un nuevo bajista que cumplió con creces su cometido, siempre muy activo y participativo en el ambiente.

El futuro, por tanto, pinta de maravilla para SU TA GAR, que a pesar de los años, se mantienen más en forma que nunca y como el pan de cada día, no defraudan a nadie y siempre triunfan en el directo. La del sábado fue una muestra más. Enhorabuena.

Mikel Yarza

Evile - Five Serpent's Teeth

Artista: EVILE

Álbum: FIVE SERPENT'S TEETH

Estilo: Thrash Metal

Fecha de publicación: 26 de septiembre de 2011

Sello: Earache Records

Nota: 8,5/10

Con la entrada del nuevo siglo, el thrash metal, dominante en los 80 y sumergido en una profunda crisis a lo largo de los 90 resurgió gracias a la vuelta de sus propios creadores a las raíces del género. Prácticamente, todas las bandas que probaron suerte en los 90 con otros estilos volvieron a lo que mejor saben hacer; y de la misma manera, una ola de nuevas bandas, las cuales emulaban ese sonido ochentero, se abrió paso en la escena. Ente estos últimos, EVILE es probablemente uno de los más destacados, por no decir la banda que esta llevando la bandera en representación de esta nueva hornada. Con su primer trabajo de estudio, “Enter The Grave”, la banda lanzaba una firme propuesta de un disco de puro thrash. Canciones como “Thrasher”, “First Blood” o “Killer From The Deep” son toda una muestra de la perfecta recreación de lo que otros fundaron hace mucho. La banda era una mera réplica de sus mentores, pero el resultado de las canciones en directo era aplastante, no hay más que ver sus intensas actuaciones durante esta gira debut, en el cual el público respondió con gran entrega hacia la banda. Dos años después, en 2007, publicaron “Infected Nations”. Trabajo de alta calidad técnica, poco a poco fueron labrando su propio estilo dentro del género y asentándose en la escena como una de las bandas actuales más prometedoras y talentosas. Así, en 2011 nos llega “Five Serpent's Teeth”, el cual es toda una reafirmación de lo expuesto hasta ahora.

Abre el disco la misma canción que le da título, con una breve harmonía ambiental que da paso al primer riff de gran velocidad, el cual es toda una gozada auditiva. La primera sorpresa surge con la entrada de las voces. En “Infected Nations” ya introdujeron un poco de melodía, pero esta vez, de primeras, es sorprendente el empleo de voces totalmente limpias. Un estribillo igualmente melódico con voces dobladas y con riffs de guitarra trepidantes o los vertiginosos solos con una parte vocal entrelazada son los momentos más destacados del corte.

Le sigue “In Dreams Of Terror” con un comienzo complejo rítmicamente que precede al riff más veloz del disco y que pide el moshpit a gritos. Una pena su brevedad, ya que cortan rápidamente con la entrada de las voces, acompañado de un riff más lento. Las voces persisten en una tonalidad muy alta y limpia, sin empleo alguno de gutural o de rasgueo de garganta. Sin darnos cuenta nos adentramos en un momento muy cósmico en el cual las voces juegan nuevamente una faceta clave. La canción sigue progresando y la capacidad compositiva de Ol Drake nos sorprende riff tras riff, todos ellos excelentes. El corte concluye con el más rápido, ejecutado anteriormente y que nos deja con un muy buen sabor de boca.

Un imponente riff a medio tempo es el encargado de abrir “Cult”, el mismo riff con el que entra la línea vocal, incidiendo el cambio tonal de esta en que el riff suene todavía mejor y más productivo; juegan con el mismo riff durante toda la canción, variando detalles acertadamente para que no suene repetitivo. El estribillo es sin duda el culmen del tema, con un Matt Drake espléndido que recuerda, especialmente esta vez, a Zetro; antiguo cantante de EXODUS. Ese coro que grita “Cult” parece un grito conjunto de guerreros a punto de marchar a luchar y ya es un rasgo carácteristico en las canciones de la banda. Un solo perfecto como antesala de la parte más ambiental que sigue a continuación y una nueva repetición del estribillo cierran una de las mejores canciones del álbum.

“Eternal Empire” fue publicada antes de que saliera el disco, como canción de adelanto. Es un tema confuso, ya que contiene unos de los riffs más endiablados que el cuarterto a realizado en toda su carrera y la vez es uno de los menos intensos vocalmente. Llegados a este punto es necesario hacer mención a esta nueva faceta del mayor de los hermanos Drake. Sus voces, sin duda las más melódicas hasta la fecha, aportan aspectos positivos como la amplitud de horizontes en la posibilidad de harmonización de las canciones, pero también tiene aspectos negativos como la falta de agresividad en muchos momentos. Esa mala hostia por la que se caracterizaba su rango vocal en “Enter The Grave” no está presente en este disco, y no parece que vaya a volver. El cambio está patente; que sea bueno o malo ya, depende totalmente de los gustos personales de uno mismo.

“Xaraya” es un corte extremadamente rítmico, que puede resultar aburrido debido a su densidad en las primeras escuchas, pero que debe ser halagado por su innegable sutileza compositiva. Con una progresión maestra de la canción en su conjunto, y con detalles y arreglos puntuales que demuestran por qué EVILE no es una banda del montón en esta nueva oleada del thrash metal.

Junto a “Cult”, “Origin Of Oblivion” sea probablemente la canción que más me guste del disco. Con un intenso comienzo de golpes de batería y punteos introductorios, las guitarras pisan el acelerador una vez más para ejecutar unos riffs al alcanze de muy pocos. El parón antes del estribillo y la entrada de este último son de esos detalles que a uno se le quedan ya en la primera escucha, realmente pegadizo. Si tocas la guitarra no tienes más remedio que rendirte a los pies de Matt Drake, la capacidad de tocar cosas tan veloces y complejas mientras canta es para quitarse el sombrero. Despúes de cuatro minutos de intensidad absoluta, la canción concluye con un medio tempo machacón en el que se grita la frase “I will never become machine”.

“Centurion” comienza con una oscura melodía de guitarra al que le sigue un potente riff respaldado por el doble bombo de Ben Carter; lo que es toda una noticia, ya que no suele habituar este tipo de ritmos. Después de otro riff a medio tiempo con el que entrar las voces, se repite el del doble bombo, esta vez con unas voces por encima que dan paso al aplastante estribillo. Progresiones logicas pero no por eso predecibles, sorprenden hacia el tercer minuto con un cambio hacia otra tonalidad, cortando el hilo de lo que estaba sonando hasta ese momento y entrelazando una nueva parte vocal con un gran solo y una posterior melodía a dos guitarras. Aciertan nuevamente en la vuelta al estribillo y, finalmente, cierra el tema el mismo riff que ha servido para introducirlo.

“In Memoriam” es la balada del disco, la primera de EVILE hasta la fecha. Es todo un tributo al fallecido bajista de la banda, y ante todo amigo de toda la vida, Mike Alexander. Su inesperada e instantánea pérdida debido a un problema sanguíneo fue muy dolorosa; conmocionó y marcó para siempre a la banda. La musica es el mero soporte a la letra, la cual obtiene un especial significado en este tema.

“Descent Into Madness” es todo un guiño al “Enter The Grave” y a la intensidad en general. A pesar de que las voces sean más melódicas, esta vez todo parece adquirir más agresividad. La musica que suena al final de la canción es todo un reflejo del título de la canción: “descenso hacia la locura”, con un bajo que sobresale debido al empleo de distorsión y wah-wah. La canción más simple estructuralmente, será toda una bomba en directo.

Cierra el disco “Long Live New Flesh”. Con un comienzo en la línea de “Descent Into Madness”, cabe decir que incluso las harmonías vocales junto al toque diferente que adquieren los riffs en esta canción la hacen mucho mejor y original de lo que hubiera sido en el caso de haberse limitado a seguir un patrón estructural clásico. El estribillo también entra fresca al oído, a las pocas escuchas te encuentras cantándola casi inconscientemente. El riff que entra justo después del apartado solista es otro punto fuerte de la canción y de la banda; esa capacidad de ralentizar los temas sin que se vuelvan aburridos.

“Five Serpent's Teeth” es, por tanto, un espléndido trabajo del cuarteto británico. Muy refinado técnicamente, pero sonando, a la vez, muy pegadizo, EVILE ha logrado dotar su música de rasgos innovadores, lo cual les permitirá seguir en la senda de la progresión y crecimiento como banda. Con este álbum han demostrado más que nunca, que aunque el thrash metal se inventó hace tres décadas, se puede seguir componiendo en el mismo estilo sin dejar de ser originales.

Componentes:

Matt Drake, Guitarra y voces

Ol Drake, Guitarra

Ben Carter, Batería

Joel Graham, Bajo

Tracklist:

01. Five Serpent's Teeth

02. In Dreams Of Terror

03. Cult

04. Eternal Empire

05. Xaraya

06. Origin Of Oblivion

07. Centurion

08. In Memoriam

09. Descent Into Madness

10. Long Live New Flesh

Web oficial: http://www.evile.co.uk/

Autor: Mikel Yarza

Machine Head - Unto The Locust

Artista: MACHINE HEAD

Álbum: UNTO THE LOCUST

Estilo: Groove Metal, Thrash Metal

Sello: Roadrunner Records

Fecha de publicación: 23 de septiembre de 2011

Nota: 10/10

MACHINE HEAD parecía haber tocado techo con “The Blackening”. Cuatro años de extensa gira de promoción del álbum, y la excelencia del disco de por sí, hacían del futuro compositivo de la banda toda una incógnita. ¿Había alguna manera de superar aquello? La espera de “Unto The Locust” ha sido, por tanto, de grandísima expectación; y debo admitir que en el momento en que iba a pulsar el “play” para dar comienzo a la primera escucha del álbum me sentía como un niño a punto de abrir los regalos de navidad.

“I Am Hell (Sonata In C#)” abre el disco como una apisonadora. Primero mediante un vasto medio tempo y después con la tralla absoluta, la más que probable apertura de concierto con esta canción desatará la locura colectiva entre los fans. Caos total. El tema llega a su momento álgido con el empleo de las altísimas tonalidades vocales en el estribillo, y con un emotivo riff, ejecutado primero con guitarras acústicas y después nuevamente en distorsión y que cierra la canción.

Casi sin poder asumir lo que estamos percibiendo ataca “Be Still And Know”, que aun siendo una canción más lenta, fluye fácilmente hacia un melódico estribillo en el cual junto a las voces suena el mismo tapping de guitarras que abre la canción. En la parte central del tema nos topamos con un intercambio de solos de ambos guitarristas que desemboca en una gran melodía a dos voces. Se repite una vez más toda la estructura de riffs, voces, concluyendo con el tapping principal.

“Locust”, canción de adelanto que lleva publicada en Internet desde junio, comienza con unas breves guitarras limpias y continúa con un medio tempo parecido al de “Be Still And Know” aunque el puente antes del estribillo y este último dan otro toque más crudo y violento al tema. En el epicentro de la misma van surgiendo varios cambios, primero un riff machacón, y después un parón total, quedándose Rob solo a las voces, y dando paso seguidamente a una melodía de guitarra doble, junto a varios solos que acaban con otra melodía a dos voces. Puente y estribillo suenan una vez más antes del vasto breakdown final.

“This Is The End” comienza con un suave arpegio de guitarras limpias, que después de unos fills de batería suena nuevamente pero esta vez en forma de riff con un gran trabajo de ejecución en la mano derecha. Unos acertados blasbeats por parte del baterista Dave McClain lo acompañan hasta la entrada del próximo riff, con el cual también surgen los primeros enérgicos berridos de Rob Flynn. Un estribillo muy melancólico al que acompaña el riff de guitarra ejecutado anteriormente es el momento señalado de la canción.

Con el comienzo de “Darkness Within” uno se da cuenta de que a lo largo de todo el trabajo las emociones están muy presentes. Los componentes de la banda ya subrayaban en diversas entrevistas que este disco, al igual que sus dos anteriores trabajos de estudio, son obras creadas desde lo más profundo de sus corazones, y que esto es lo que los diferencia del resto. En lo que refiere a la canción, corte basado sin duda en las excelentes harmonías vocales a las que se les suman unas acertadas líneas instrumentales. El murmullo de “dururu dururu” antes de los solos y al final de la canción completa un tema muy rico y diverso que conjunta la sutileza y la brutalidad al mismo tiempo. Rabiosa comienza “Pearls Before The Swine”, una canción que es puro MACHINE HEAD. De siete minutos de duración y con largas progresiones, podría haber figurado perfectamente en “The Blackening” hace cuatro años.

La verdad que es una pena que solo sean siete canciones las que componen este “Unto The Locust”, aunque como dicen muchos, los discos breves suelen ser los mejores, no hay más que ver los clásicos “Master Of Puppets” o “Rust In Peace” que tanto habrán influido a la banda, o el mismo “The Blackening” todos ellos con 8 o 9 canciones. Cierra el disco “Who We Are”, en el cual como curioso detalle participan en un coro de voces infantiles los hijos de Rob Flynn y del productor del disco Juan Urteaga poniendo el broche de oro a un trabajo completísimo.

Está claro que la calidad y el nivel de un disco es relativo, y todo es bueno o malo si se compara con otros trabajos, pero independientemente de los gustos de cada uno, “Unto The Locust” brilla a base de luz propia de principio a fin por su excelencia, su perfección en todas las facetas musicales que el disco abarca. Un 10 es la puntuación que merece, por tanto, este disco; porque es un trabajo esplendido de por sí. Eso no significa, aun así, que la banda no pueda aspirar a ninguna meta mayor ni seguir al mismo nivel o incluso superarlo, ya que eso es lo que han demostrado justamente en este trabajo, que aunque algo a la altura de “The Blackening” era impensable, nunca es imposible.

Componentes:

Robb Flynn - Guitarra y voz principal

Phil Demmel - Guitarras

Adam Duce - Bajo y voces

Dave McClain - Batería

Tracklist:

01. I Am Hell (Sonata in C#)

02. Be Still and Know

03. Locust

04. This Is The End

05. Darkness Within

06. Pearls Before the Swine

07. Who We Are

Web oficial: http://machinehead1.com/

Autor: Mikel Yarza

Jeff Waters, clínic de guitarra, 15 de septiembre 2011 – Tienda Rockmusic - Oiartzun

Casi en la víspera, pero, afortunadamente, me enteré de que, Jeff Waters, guitarrista y principal estandarte de la banda canadiense de thrash metal ANNIHILATOR se pasaría por Oiartzun (Gipuzkoa) para realizar un nuevo episodio del tour que está llevando a cabo con Gibson con el objetivo de promocionar sus guitarras. Esta era, por lo tanto, una cita obligada para todo aquel seguidor del thrash metal de la vieja escuela y en general para todo guitarrista metalero de la zona.

El evento, organizado por la tienda de instrumentos musicales Rockmusic, estaba previsto para llevarlo a cabo en la tienda misma, pero debido al buen tiempo y la muchedumbre allí congregada, la actuación transcurrió fuera del centro comercial, en plena calle.

Desde el comienzo con “No Zone” hasta el final con “The Trend”, el canadiense repasó las canciones más populares de su banda, sonando entre otras “Stonewall”, “Brain Dance”, “The Fun Palace”, “Refresh the Demon”, “Set World On Fire” o “Alison Hell”, mientras entre canción y canción, respondía detenidamente a todas las preguntas que le venían del público sobre su manera de tocar la guitarra, el equipo que utiliza... Fue todo un deleite observar en acción a uno de los guitarristas más completos que ha dado el género. Además de ser un excelente rítmico, su faceta solista es igual de deslumbrante, y en sus composiciones para la banda, los cuales realiza casi exclusivamente, sabe cuadrar todo a la perfección obteniendo una excepcional mezcla entre brutalidad y melodía.Durante toda la actuación, se le notaba en la cara que estaba disfrutando, y al igual que con las preguntas, al terminar de tocar, fue muy cercano y amigable con la gente y tuvo un momento y una sonrisa para todos y cada uno de los que fueron allí a sacarse una foto, o a que le firmara algún que otro disco; me incluyo entre ellos. Todo un detalle por su parte, ya que hasta el final del evento, en el que se sorteó una de sus guitarras y material adicional de Gibson como camisetas y gorras, estuvo charlando tranquilamente con todos, cosa que, seguramente, pocos músicos de su estatus harían.

Mikel Yarza

Anthrax – Worship Music

Artista: Anthrax

Álbum: Worship Music

Estilo: Thrash/Heavy Metal

Sello: Megaforce Records

Fecha de publicación: 13 de septiembre de 2011

Nota: 7/10

8 años han tenido que pasar para poder escuchar un nuevo trabajo de estudio de los thrashers neoyorquinos ANTHRAX. Inestable es la palabra que mejor representa este periodo de sequía, en el cual Dan Nelson persistió dos años, John Bush volvió en un momento de crisis para salvar a la banda las fechas que tenían en los festivales de verano del año pasado y el aclamado Joey Belladona volvió finalmente después de protagonizar en este periodo también una nueva unión y divorcio, que dio lugar después de realizar la gira conmemorativa del “Spreading The Disease” entre 2005 y 2007.

Y es que se respiraba la sensación de que Belladona no podía haber vuelto en un momento más señalado, quizás incluso obligado por la cita, el Big Four influyó considerablemente en el retorno del vocalista más querido por los fans. Así las cosas, la espera de este nuevo “Worship Music” era ansiosa por parte de todo el mundo. Nuevo disco de ANTHRAX, ocho años después y con su cantante referente: todo apuntaba a que la banda nos iba a deleitar con una vuelta a sus raíces del thrash metal de la vieja escuela.

¡Pero no! Para sorpresa de todos, este nuevo disco abarca una gran diversidad de estilos, y en pocos momentos podemos decir que nos encontremos ante un tema de esos de los que caracterizaba a ANTHRAX en su época dorada.

Abre después de la intro, “Earth On Hell”; con un comienzo explosivo y speedico el moshpit será inevitable en las aperturas de los conciertos con esta canción. Después del triunfante estribillo nos encontramos con un vasto riff a medio tempo que precede al único solo de la canción, simple pero acertado. Se repite nuevamente la anterior estructura de “voces – puente – estribillo” y damos cierre a una de las canciones más directas del plástico.

La siguiente en sonar es “The Devil You Know” que ya fue publicada unas semanas antes como segundo adelanto del disco, comienza con un riff thrasher a medio tempo de los que recuerda a viejos tiempos, pero la voz de Belladona dota a la canción de un toque más rockero que culmina en un estribillo extremadamente melódico. Estructuralmente la canción prosigue con los patrones clásicos, lo que hace que puedas prever lo que vas a escuchar a continuación. Aunque solo hayan sonado dos temas completos, mención especial se merece ya el trabajo de Belladona al frente del micro. Unas voces pletóricas y no muy rebuscadas pero que encajan y cuadran con maestría las bases rítmicas de las canciones.

“Fight ‘Em ‘Til You Can’t” fue el primer tema que se nos presentó como single, y es el ejemplo de como debería de sonar una canción de ANTHRAX. Seguidos del riff de apertura, unas voces en una tonalidad tenebrosa y una parte más enérgica con los clásicos coros a cargo de Scott Ian prosiguen hacia un estribillo muy pegadizo. Quizás el estribillo mismo sea lo que menos se familiarice con los “old Anthrax”pero es que en una única escucha puedes decir sin problemas: “esto suena totalmente a ANTHRAX”. Gran acierto en escoger esta canción como adelanto, ya que como a mí, les habrá metido el gusanillo en el cuerpo a muchos de los seguidores de la banda.

“I'm Alive” comienza con unas guitarras limpias y un coro de “ooohoooohooo” bastante emotivo durante el cual el riff se va transformando hasta llegar a su evolución total, en la que si no fuera porque las voces no tienen nada que ver con ello, se parecería mucho al estilo rítmico de RAMMSTEIN. En general una canción mas “soft” pero con un nuevo estribillo pegadizo, su escucha es bastante entretenida.

La verdad que nombrar a los dos interludios del disco “Hymn 1” y “Hymn 2” no es muy rebuscado, de la misma manera que dar a dos canciones el nombre de “Judas Priest” y “The Devil You Know”. No es que no puedan hacerlo, pero la verdad que son detalles que uno debería de cuidar para ser un poco más original.

El sonido de un chelo en “Hymn 1” por lo tanto da paso al de unas campanas para abrir “In The End”, sin duda la canción más oscura del álbum. El primer riff que suena es totalmente tenebroso y su progresión hasta la primera entrada de las voces, muy bien dirigida por el incansable Charlie Benante, que ahora que lo menciono, realiza un trabajo exquisito a las baquetas durante todo el álbum. Las voces sobresalen una vez más en esta canción, jugando un papel clave en el éxito de la misma, ya que ante la repetitividad del riff, las líneas vocales aportan un amplio abanico de melodías y armonías acertadas. La letra de este tema es el particular tributo de la banda a los fallecidos Ronnie James Dio y Dimebag Darrell.

Con un riff muy rítmico y de gran potencia empieza “The Giant”, aunque pasa rápidamente al pegadizo estribillo. Llegados a este punto del disco cabe mencionar que los estribillos suenan mucho más “para todos los públicos” de los que muchos desearían, muy alejados del thrash metal, en parte pegadizos pero en parte ajenos a lo que la banda nos tiene habituados.

Los redobles de “Hymn 2” dan paso a “Judas Priest”, en fin… jajajaja. Este también con una base muy rítmica, le acompaña una melodía que se coreará sin duda en las interpretaciones de directo. Insisto en la importancia del trabajo de Belladona en este disco, ya que todas las canciones en general son muy rítmicas y constantes, y este señor cantante les ha dado un toque maestro de gran calidad.

“Crawl” entra con una tonalidad más grave de lo habitual; se puede incluso pensar que varias tonalidades estaban pensadas para ser interpretadas por Dan Nelson o incluso reeditadas para la posibilidad de que los grabara John Bush; de ahí que aunque estemos escuchando la voz de Belladona, a veces parezca que escuchamos la de alguno de los dos anteriormente nombrados. Gran interpretación y adaptación, por lo tanto, en el apartado vocal. En lo que se refiere a la instrumentalización del corte, tema con armonías de intenciones muy oscuras con baterías a medio tempo, factor que lo convierte en más denso todavía.

Nos acercamos al final del disco y nos encontramos con “The Constant”, canción que entra fresca al oído, con un riff base que recuerda a los que empleaba el antes mencionado Dimebag Darrell de PANTERA. Una vez más, las voces y la música entre sí forman un conjunto muy compacto.

Cierra finalmente “Revolution Scream” con un comienzo que nos golpea en toda la cara, y un ritmo enérgico que sostiene a toda la canción muy en la onda de los SEPULTURA del “Roots”, la capacidad imaginativa de Belladona, en cambio, corta con lo que podía haber sido “una canción más” y nos deleita nuevamente con su amplísimo rango vocal. Benante también destaca con unos frenéticos redobles con sus piernas en esta canción. Como curiosidad, después de 5 minutos de silencio en medio de la canción, suena “New Noise”, una peculiar versión de la ya disuelta banda sueca de hardcore punk “Refused”.

En definitiva, contenido sorprendente el de este “Worship Music”, que no por eso falto de calidad, ni mucho menos, pero que sí que denota una nueva dirección en el sonido de la banda, con unos estribillos más populares y con un sonido de guitarras mucho más grave de lo que han empleado nunca, se alejan de lo que les ha caracterizado durante años. Por un lado no hay duda de que sobresale el impecable trabajo de Belladona, pero, y como curioso detalle, por otro lado apenas hay momentos en las canciones que inciten a hacer un señor moshpit. ¿Quién se podía imaginar esto de una de las bandas más festivas del thrash metal? Sin duda disco que causará división y controversia.

Componentes:

Scott Ian – Guitarra
Charlie Benante – Batería
Joey Belladonna – Voces
Rob Caggiano – Guitarra
Frank Bello – Bajo

Tracklist:

01.Worship (Intro)
02.Earth On Hell
03.The Devil You Know
04.Fight ‘em ‘Til You Can’t
05.I’m Alive
06.Hymn 1
07.In The End
08.The Giant
09.Hymn 2
10.Judas Priest
11.Crawl
12.The Constant
13.Revolution Screams
14.New Noise (canción oculta, empieza en 11:10)

Web oficial: http://anthrax.com/

Autor: Mikel Yarza